Von Levi Sim – Inhaber/Fotograf/Redner bei Levi Sim Photography
Wenn es Ihnen wie mir geht – und ich vermute, das tut es –, dann hängen einige Ihrer wertvollsten Aufnahmen noch nicht an der Wand. Sicher, sie wurden auf Facebook und Instagram geteilt, aber sie wurden selten physisch reproduziert. Ihr Werk wird so nie zu einer echten, greifbaren Fotografie.
Ich möchte Ihnen die Geschichte eines meiner Lieblingsbilder erzählen – die ganze Reise von dem Moment an, als ich das Motiv durch den Sucher sah, bis zu dem Augenblick, als ich den Versandkarton öffnete und das fertige Werk in den Händen hielt.
Ich hoffe, dies inspiriert Sie dazu, Ihre eigenen Fotografien drucken zu lassen – in Ihren Dateien zu graben und aus Ihren Favoriten echte Kunstwerke zu schaffen.
Diese Art von Umgebungsporträts gehört zu meinen liebsten Arbeiten. Wir müssen schnell arbeiten, da wir uns meist in Geschäftsräumen befinden und nur wenige Minuten mit jeder Person haben, bevor diese wieder an die Arbeit muss.
Trotz der knappen Zeit haben wir sichergestellt, dass jeder optimal präsentiert wird. Diese Porträts landeten schließlich auf Werbetafeln im ganzen Bundesstaat und mussten entsprechend hochwertig wirken. Die Tage waren lang und intensiv, und wir waren alle erschöpft, als wir das Set abbauten und zum Abendessen aufbrachen.
Aber wenn man in Moab, Utah, arbeitet, geht man abends nicht ins Hotel, um fernzusehen. Man zieht in die Hügel und macht weitere Aufnahmen!
Der Blick nach links
Das Bild, um das es in dieser Geschichte geht, entstand genau unter diesen Umständen. Wir wollten zum Dead Horse Point, wo ich bei einem früheren Besuch bereits einige faszinierende Aufnahmen bei Sonnenuntergang gemacht hatte. Wir fuhren so schnell wie möglich die gewundene Straße hinauf, doch während wir das Mesa-Plateau erklommen, wurde mir klar, dass wir den Campingplatz nicht rechtzeitig erreichen würden, um noch vor Sonnenuntergang den Kilometer bis zum Aussichtspunkt zu laufen.
Gerade als ich anfing zu verzweifeln, bogen wir um eine Kurve und sahen den Vollmond, der direkt zwischen zwei Monolithen aufging. Wir sprangen aus den Autos und suchten hektisch nach der perfekten Perspektive.
Ich griff nach meinem damals längsten Objektiv, dem Olympus 75 mm f/1.8,und setzte es auf meine Lumix GH4. Ich wusste, dass der Mond mit einer langen Brennweite größer erscheinen würde. Ebenso war mir klar, dass ich für optimale Ergebnisse ein Stativ benötigte.
Ich habe meinen Favoriten verwendet Carbonfaser-Sticks von Vanguard mit dem tollen BBH-200 Kugelkopf, der leicht und äußerst stabil ist.
Die Sonne stand tief, und der Boden der Schlucht vor mir lag bereits im Schatten, während die Spitze des Grates in warmes Licht getaucht war. Der Himmel war überraschend klar und blau. Mir wurde klar, dass diese dreistufige Farbkomposition, die nur durch die Monolithen und den Mond unterbrochen wurde, eine exzellente Bildgestaltung bot.
Ich überlegte, die Monolithen mittig zu platzieren, entschied mich aber dagegen, da die Formationen auf der rechten Seite ablenkten und dem Mondaufgang die Wirkung nahmen. Ich platzierte den Mond etwa am oberen rechten Schnittpunkt der Drittel-Regel und begann zu fotografieren. Ich machte Dutzende Aufnahmen mit dem Mond in verschiedenen Positionen, aber diese beiden sind meine Favoriten.
Ich wünschte, ich hätte früher ins Hochformat gewechselt, als der Mond noch perfekt eingerahmt war, aber ich mag dieses Bild dennoch sehr.
Als der Mond stieg und die Sonne versank, war das Zeitfenster für dieses Bild schnell geschlossen. Ich machte Belichtungsreihen für HDR, aber HDR erzeugt weder Licht noch Farbe – dieses Bild war einfach fertig.
Ich erinnerte mich an den Rat, beim Fotografieren „immer hinter sich zu schauen“, aber dort passierte nichts – nur eine flache Wüste unter hellem Himmel. Doch als ich nach links blickte, fand ich mein nächstes Motiv. Ich musste mich beeilen, da das Licht schwand.
Ich habe dieses Foto aufgenommen (das inzwischen auf TruLife® Acryl montiert wurde und im Mittelpunkt meiner Arbeit stand). Beitrag eines TruLife-Feature-Fotografen) mit dem gleichen Objektiv, dem 75mm.
An meiner Micro-Four-Thirds-Kamera entspricht dies einem Bildwinkel von ca. 150 mm im Vollformat, was das Motiv hervorragend isoliert.
Ich arbeitete einige Minuten an dieser Stelle und nahm sogar eine kurze Zeitraffersequenz auf – eine feine Wolke färbte sich orange, zog über den Tafelberg und verschwand wieder. Doch als ich die Bilder auf der Kamera sichtete, stachen sie für mich noch nicht wirklich heraus.
Wenn die Sonne geht, sollten Sie bleiben
Zu diesem Zeitpunkt war die Sonne komplett untergegangen. Viele Fotografen packen dann zusammen und fahren nach Hause, was ich für einen Fehler halte. Wenn die Sonne tief steht, erhält man zwar markante Lichter und Schatten, aber auch sehr hohe Kontraste. Nach dem Untergang hingegen leuchtet der gesamte westliche Himmel auf. In Kombination mit dem östlichen Himmel ergibt dies ein wunderschönes, gerichtetes Licht ohne harte Kontraste.
Ob bei Porträts oder Landschaften – die Zeit nach dem Sonnenuntergang, die „Blaue Stunde“, ist eine wunderbare Zeit zum Arbeiten.
Nach meinem Zeitraffer betrachtete ich die Szene erneut und erkannte, dass das weiche Licht wunderschön war und dass die Szenerie viel mehr bot als nur den einzelnen, hoch aufragenden Tafelberg. Ich sah, wie die sich kreuzenden Linien der Canyons eine S-Kurve bildeten, die von den Felsbrocken am Boden bis zum Monolithen oben führte.
Da ich Geologie studiert habe, ist eine solche Szene für mich nicht nur fotografisch interessant, sondern fasziniert mich auch durch die Geschichte, die sich in den Gesteinsschichten offenbart.
Mir gefiel der Gedanke, wie die Felsbrocken zum Monolithen aufblickten, als wollten sie sagen: „Du bist als Nächster an der Reihe.“ Ich wechselte zum Leica 42.5 mm f/1.2 um ein etwas weiteres Sichtfeld zu erhalten, behielt aber die Tele-Perspektive bei (dieses Objektiv entspricht etwa 85 mm im Vollformat).
Dies ist ein HDR-Komposit, und man sieht, dass es bereits ziemlich dunkel wurde. Diese Version gefiel mir besser, aber der Tafelberg auf der linken Seite störte mich. Also folgte ich dem Rat von Scott Bourne und fotografierte im Hochformat – das änderte alles. Nun wirkten die Linien und der vertikale Rahmen zusammen, um die Höhe des Berges und die Tiefe des Canyons zu betonen. Das Bild gewann an Tiefe und besseren Führungslinien. Ich hatte meine Kamera auf Schwarz-Weiß-Modus eingestellt, und was ich auf dem Display sah, gefiel mir. Ich machte erneut Belichtungsreihen und erstellte später ein HDR-Komposit.
Mittlerweile war es stockfinster. Wir fuhren trotzdem zum Aussichtspunkt und fotografierten die Sterne, bis der Mond zu hoch stieg. Wir genossen eine herrliche Wüstennacht, sahen viele Kanincheneulen und Kojoten und machten uns auf den Rückweg in die Stadt, um die Akkus für den nächsten Tag voller Porträts und Videos zu laden.
Das Werk reifen lassen
Dies geschah alles im Jahr 2014. Viele dieser Porträts gehören zu meinen Favoriten, daher greife ich oft auf diesen Ordner zurück. Mit der Zeit habe ich neue Werkzeuge kennengelernt, die mir mehr Möglichkeiten in der Bildbearbeitung bieten. Als ich meine Moab-Bilder erneut durchging, stieß ich auf die obigen Aufnahmen und erkannte, dass ich sie nun mit mehr Finesse vollenden konnte.
Programme wie Photomatix, Aurora HDR und Perfectly Clear haben mir gezeigt, wie man ein Bild heller und lebendiger macht, ohne das Bildrauschen zu erhöhen. Ich nahm mir diesen alten Favoriten vor, erstellte das HDR neu und nutzte Perfectly Clear für mehr Brillanz bei absoluter Rauschfreiheit – fantastisch. Damit konnte ich auch die Farben perfektionieren.
Schließlich nutzte ich den Korrekturpinsel in Lightroom für gezieltes Abwedeln und Nachbelichten (Dodge and Burn). Man sieht, wie ich die Helligkeit einiger Glanzlichter verstärkt habe, um die Führungslinien zu betonen.
Am Ende gefiel mir das Foto weitaus besser als zum Zeitpunkt der Aufnahme.
Manchmal wird ein Foto mit zunehmender Geschicklichkeit besser. Lassen Sie es darin köcheln Drobo Lässt Sie lernen und wachsen, bis Ihre Abschlussfähigkeiten Ihren Schießfähigkeiten entsprechen. Ist das eine Rechtfertigung dafür, niemals etwas zu löschen? Vielleicht, aber die Kosten für eine weitere Festplatte sind gering im Vergleich zum Verlust der Chance, Kunst zu schaffen, die man erst später als solche erkennt.
Fotografien drucken: Die Vollendung des Werks
Drei Jahre nach der Aufnahme war ich endlich bereit, sie physisch umzusetzen und an die Wand zu hängen. Ich war mir jedoch unsicher, welches Druckverfahren ich wählen sollte. Ich habe mehr gedruckt als der Durchschnittsfotograf. Durch die Familienfotografie drucke ich viel, zudem besaß ich früher zwei Großformatdrucker. Ich habe verschiedenste Inkjet-Papiere, Leinwände und Metal-Prints ausprobiert.
Wenn ich daran dachte, wie viel mir diese Aufnahme bedeutete, war klar: Ein Standarddruck würde dem nicht gerecht werden.
Wenn Sie Ihre Fotografien drucken, sollten Sie ein Medium wählen, das das Motiv ergänzt. Inkjet-Drucke bieten großartige Farben, Leinwand verleiht Weichheit, während Metal-Prints lebendig und glänzend sind. Viele Fotografen wissen jedoch nicht, dass echte Fotofachabzüge im Labor immer noch so hergestellt werden wie vor über hundert Jahren.
Wenn Sie ein Format von 16 x 20 cm in einem Fachlabor bestellen, wird echtes Silbernitrat verwendet – echte Edelmetalle. Diese reagieren auf die Belichtung im Labor und erzeugen die Farben und Tonwerte, die Sie auf dem Papier sehen. Dies sind die langlebigsten Abzüge mit der besten Tonwertwiedergabe. Viele denken, Labore nutzen heute nur noch Tintenstrahldrucker, aber diese hochwertigen Abzüge entstehen durch Licht und Chemie auf Papieren von Kodak oder Fujifilm.
In der Vergangenheit habe ich viel gedruckt, daher weiß ich, was ich erwarten kann, wenn ich das Bild auf dem Bildschirm mit dem auf dem Papier vergleiche. Das Tolle ist, dass die meisten Labore heutzutage ein paar kostenlose Abzüge anbieten, sodass man seinen Bildschirm an deren Druckergebnisse anpassen kann.
Für mein Foto wusste ich, dass ich einen fotochemischen Prozess benötigte, um die sanften Tonwertabstufungen zu zeigen, aber ich wollte auch die Details und die leuchtende Qualität der Lichter betonen. Ich hatte von Acrylglas-Direktdrucken gehört und wusste, dass sie exzellent für Details und Farben sind. Die Fotografie wird dabei zuerst auf feines Fotopapier belichtet und dann zwischen eine stabile Rückwand und eine transparente Acrylglasfront kaschiert.
Dadurch strahlen Farben und Details durch die Oberfläche des Acryls wie bei keiner anderen Präsentationsform. Eine klassische Einrahmung mit Glas ist oft weniger effektiv, da sowohl das Foto als auch das Glas reflektieren können. Ich liebe die Präsentation ohne sichtbares Glas, aber der Schutz ist schwierig. Acryl bietet jedoch Schutz vor UV-Strahlung und äußeren Einflüssen.
Bei genauerer Recherche stellte ich fest, dass TruLife® Acrylic das beste Acrylglas ist: Es bietet höchste Transparenz, maximale Auflösung und besten UV-Schutz. Zudem ermöglicht seine reflexionsfreie Oberfläche eine Betrachtung ohne störende Spiegelungen.
Ich bestellte schließlich bei ArtisanHD, einem der Labore, die mit TruLife arbeiten. Als der Druck ankam, war ich überwältigt! Er ist so brillant. Es entsteht die Illusion, dass das Bild das gesamte Licht im Raum einfängt und von innen heraus leuchtet. Es spiegelt exakt die Vision wider, die ich bei jedem Schritt der Entstehung hatte.
Besonders gefiel mir, dass das Foto fix und fertig für die Wandmontage geliefert wurde. Die flache Montage und das schwebende Profil verstärken den „Pop“-Effekt. Man könnte es einrahmen, aber ich schätze den modernen Look ohne das physische und visuelle Gewicht eines Rahmens.
Welches Medium Sie auch wählen: Das Ziel ist der Druck. Ihr Werk in Großformat vor sich zu sehen, ändert alles – es macht Ihre Kunst greifbar. Es legitimiert Ihre Fotografie auch in den Augen derer, die sie nur als Hobby betrachten.
Es ist kein Hobby, es ist Kunst. Und je größer Sie Ihre Fotografien drucken, desto eindrucksvoller wirken sie.
Fazit
Ich durchsuche nun meine liebsten Reisen und Events nach Bildern, die ich noch nicht gedruckt habe. Es gibt so viele, und jedes Mal erinnere ich mich an die Details des Tages. Das Wiedererleben von Abenteuern und Erinnerungen ist der Grund, warum Fotografien so wichtig sind.
Das Teilen mit Freunden im Netz ist ein Muss, aber wenn Sie Ihre Fotografien auch drucken – ob groß oder klein –, schaffen Sie ein bleibendes Souvenir. Ich ermutige Sie: Machen Sie aus Ihren Bildern echte Fotografien.
Wählen Sie das richtige Druckverfahren und wählen Sie das Format so groß wie möglich. Sie sind ein Künstler, und Ihre Kunst verdient es, in ihrer besten Form gesehen zu werden.
Dieser Beitrag von Levi Sim erschien ursprünglich auf Photofocus.
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Über die Autorin
Levi Sim
Inhaber/Fotograf/Redner bei Levi Sim Photography
Levi Sim fotografiert aus Leidenschaft und unterstützt andere dabei, ebenfalls bessere Bilder zu machen. Als Profifotograf erstellt er Business-Porträts und visuelle Markenauftritte. In seiner Freizeit widmet er sich allen weiteren Genres der Fotografie.