Por Jeremiah William McCarthy, Comisario del National Academy of Design
Las exposiciones itinerantes organizadas a partir de colecciones permanentes brindan oportunidades excepcionales para el cuidado de las piezas, la investigación académica y la visibilidad institucional. En el contexto actual, los museos de todo el país se enfrentan a desafíos complejos —financieros, logísticos e interpretativos— derivados de la pandemia y los movimientos sociales por la justicia. Esta es una ocasión idónea para profundizar en nuestros fondos, arrojando nueva luz sobre obras familiares y, lo que es más importante, creando alianzas entre museos que fomenten un entendimiento más profundo entre diferentes regiones a través del intercambio artístico.
En 2017, comenzamos a desarrollar For America: Paintings from the National Academy of Design, una exposición itinerante y una publicación complementaria que presenta obras de los importantes fondos de arte estadounidense de la Academia. La idea era sencilla: presentar las dos reglas de entrega de la Academia —la primera, establecida en 1826 y aún vigente, de una «muestra de la propia producción», y la segunda, vigente de 1839 a 1994, de un retrato del artista, ya fuera un autorretrato o uno pintado por un colega— de forma conjunta para ilustrar tanto la visión del mundo de los pintores como la manera en que se ven a sí mismos habitándolo. En este artículo, exploro algunas de las lecciones aprendidas durante esta gira, con la esperanza de que estimulen la reflexión y el diálogo sobre la materia.
Públicos distintos, presentaciones distintas
Cada museo emplea lenguajes visuales adaptados para dirigirse a su público, por lo que la colaboración entre la institución organizadora y el museo receptor es esencial. Los comisarios locales aportan matices que nunca se desprenden de un plano de planta o de unas fotografías: la demografía de la audiencia, los cuellos de botella en los flujos de visitantes, las oportunidades para crear líneas de visión dramáticas y los casos de éxito en la participación del público. Este conocimiento interno es inestimable para diseñar una presentación convincente que interpele directamente al visitante. Por ejemplo, en el New Britain Museum of American Art, presentamos parejas ahistóricas para explorar las inquietudes pictóricas compartidas por los académicos nacionales a lo largo del tiempo; en Dixon Gallery and Gardens, adoptamos un enfoque estrictamente cronológico que aportó nuevas perspectivas; y para las presentaciones en The Society of the Four Arts y el New Mexico Museum of Art, hemos implementado agrupaciones de estilo Salón para ilustrar la experimentación temática de los artistas.
La importancia de la conservación
Es comprensible que directores y donantes se muestren a veces reticentes a financiar la conservación y el enmarcado de obras destinadas al almacén cuando se sopesan las prioridades institucionales. Sin embargo, las exposiciones itinerantes suelen incentivar a los líderes y a los particulares a centrarse en el cuidado de las joyas de la colección. El transporte de las exposiciones puede someter a las piezas a cierto estrés mecánico y ambiental; por ello, además de la monitorización constante durante el trayecto, los esfuerzos de preparación previos —como la restauración, el enmarcado y el acristalamiento— garantizan la seguridad de los objetos desde el inicio. Entre los proyectos de preparación seleccionados para la gira nacional de For America se incluyó el re-enmarcado del autorretrato de John Singer Sargent en un marco más acorde con las elecciones estilísticas del artista para sus retratos por encargo; la eliminación de años de barniz oxidado en la impactante obra de Frederic Church, Scene Among the Andes; y la creación de un microclima para proteger una frágil obra de George Inness, compuesta por óleo sobre papel montado en tabla.
Documentación fotográfica y trabajos realizados por The Fine Arts Conservancy.
Los nuevos esfuerzos de conservación también pueden centrar la atención en obras maestras antes ignoradas. Por ejemplo, en lugar de entregar un retrato de sí mismo a la Academia, Charles White presentó Matriarch—un retrato de su tía abuela Hasty Baines, nacida esclava en 1857 en la plantación Yellowley en Ridgeland, Mississippi— como su retrato de ingreso. Pintada por White en 1967, 110 años después del nacimiento de Baines y en plena década de agitación política y social, esta obra profundamente personal representaba para el artista su interpretación íntima de temas universales como la sabiduría y el valor. Tras el tratamiento de restauración, la obra se expone por primera vez en casi cuatro décadas y hoy, como siempre, el diálogo entre este retrato y su obra de diploma, Mother Courage II, resulta revelador.
A la izquierda se aprecian varias zonas afectadas por eflorescencias blanquecinas, particularmente en el borde inferior, el cuello, el nacimiento del pelo y el fondo; a la derecha, tras la eliminación/reducción de las eflorescencias.
Documentación fotográfica y tratamiento por Kristen deGhetaldi.
Bajo una nueva luz
La investigación y la interpretación son procesos en constante evolución. La itinerancia de una colección para llegar a nuevos públicos ofrece la oportunidad de compartir perspectivas frescas sobre algunas de las obras más queridas. Para lograrlo, invitamos a académicos actuales de la National Academy, como Catherine Opie y Fred Wilson, a seleccionar y escribir sobre obras individuales de la colección para el catálogo y los textos de sala. Por ejemplo, la artista Jaune Quick-to-See Smith, miembro de las Tribus Confederadas Salish y Kootenai de la Nación Flathead en Montana, respondió a la obra de Albert BierstadtOn the Sweetwater Near the Devil’s Gate 1860, que representa un tramo del río Sweetwater en lo que hoy es Wyoming. Ella nos recuerda que la visión idílica de Bierstadt fue contemporánea al Tratado de Hellgate de 1855, que obligó a la población nativa a renunciar a la sección noroeste del estado, parte de Idaho, una zona de Canadá y la mitad de Montana. Como resultado, muchas tribus fueron confinadas en Fort Missoula, enfrentándose al hambre y a la viruela. Estos textos ofrecen una ventana al pensamiento de otra persona. Son un recordatorio elocuente de que el arte de este país significa muchas cosas para muchas personas, y que tanto el ideal como la idea de América serán constantemente investigados por sus artistas más avanzados.
Todas las obras de arte están en la colección de la Academia Nacional de Diseño de Nueva York.
La exposición estará expuesta en el Museo de Arte de Nuevo México hasta el 17 de enero de 2021. Para otros lugares y más información, haga clic aquí.
Para echar un vistazo detrás de escena de la exhibición cuando estuvo en la Sociedad de las Cuatro Artes en Palm Beach, Florida, vea a continuación:
Sobre la autora
Jeremiah William McCarthy
Curador Jefe, The Westmoreland Museum of American Art.
Jeremiah William McCarthy es curador jefe del Museo de Arte Americano de Westmoreland. Es curador consultor de Encuentros inspirados: mujeres artistas y los legados del arte moderno (2022). Jeremiah fue anteriormente curador de la Academia Nacional de Diseño y curador asociado de la Federación Estadounidense de Artes. También ha trabajado en los departamentos curatoriales y de educación del Museo Metropolitano de Arte y del Museo Solomon R. Guggenheim.