Par Levi Sim – Propriétaire, photographe et conférencier chez Levi Sim Photography
Si vous êtes comme moi, et je soupçonne que c’est le cas, certaines de vos photos préférées n’ont jamais été accrochées à un mur. Bien sûr, elles ont été partagées sur Facebook et Instagram, mais vous imprimez rarement vos photographies. Votre travail ne devient jamais une véritable photographie physique.
Je vais vous raconter l'histoire de l'un de mes clichés favoris — l'histoire complète, du moment où je l'ai aperçu dans le viseur jusqu'à l'instant où j'ai ouvert le colis d'expédition pour enfin le tenir entre mes mains.
J'espère que cela vous inspirera à imprimer vos propres photographies — à fouiller dans vos dossiers pour donner vie à vos images préférées sous la forme d'un véritable tirage.
Ce type de portrait environnemental compte parmi mes travaux favoris. Nous devons agir avec rapidité car nous intervenons généralement sur des lieux de travail, ne disposant que de quelques minutes avec chaque personne avant qu'elle ne doive reprendre ses activités.
Malgré ce délai très court, nous avons veillé à ce que chacun soit mis en valeur pour obtenir une présentation optimale. Ces portraits ayant fini sur des panneaux publicitaires à travers tout l'État, une esthétique irréprochable était impérative. Les journées étaient denses et interminables ; nous étions tous épuisés au moment de démonter le plateau et de partir dîner.
Cependant, lorsqu'on travaille à Moab, dans l'Utah, on ne rentre pas à l'hôtel le soir pour regarder la télévision. On se dirige vers les collines pour prendre d'autres photos !
Toujours regarder à gauche
L'image au cœur de cette histoire a été réalisée précisément dans ces circonstances. Nous voulions nous rendre à Dead Horse Point, où j'avais pris des photos de coucher de soleil mémorables lors d'un précédent voyage. Nous avons remonté la route sinueuse aussi vite que possible, mais alors que nous grimpions sur la mesa, j'ai réalisé que nous n'atteindrions jamais le campement pour ensuite parcourir à pied les XNUMX km jusqu'au point de vue avant que le soleil ne disparaisse.
Juste au moment où je commençais à désespérer, nous avons négocié un virage et aperçu la pleine lune se lever directement entre deux monolithes. Nous avons tous sauté hors des voitures pour nous précipiter à la recherche d'une perspective idéale.
J'ai utilisé l'objectif le plus long dont je disposais à l'époque, l'Olympus 75 mm f/1.8monté sur mon Lumix GH4. Je savais qu'en utilisant une longue focale, la lune paraîtrait plus imposante. J'étais également conscient que j'obtiendrais les meilleurs résultats en utilisant un trépied.
J'ai donc opté pour mon support en fibre de carbone préféré de chez Vanguard, équipé de la formidable rotule BBH-200 , à la fois légère et d'une stabilité exceptionnelle.
Le soleil déclinait et le fond du ravin devant moi était déjà plongé dans l'ombre, tandis que le sommet de la crête baignait dans une lumière chaude. Le ciel était d'une clarté et d'un bleu surprenants ; j'ai réalisé que cette composition chromatique sur trois niveaux, rythmée seulement par les monolithes et la lune, constituerait une excellente approche pour cette scène.
J'ai envisagé de placer les monolithes au centre, mais le rendu manquait de force car ils étaient plus nombreux sur la droite, ce qui, selon moi, détournait l'attention du lever de lune. J'ai placé la lune environ à l'intersection supérieure droite de la règle des tiers et j'ai commencé à déclencher. J'ai pris des dizaines de photos avec la lune dans différentes positions, mais voici mes deux préférées.
Je regrette de ne pas avoir opté plus tôt pour un cadrage vertical lorsque la lune était encore parfaitement encadrée, mais j'apprécie tout de même beaucoup ce cliché.
Alors que la lune se levait et que le soleil déclinait, cette prise de vue s'est achevée assez rapidement. J'ai réalisé un bracketing pour le HDR, mais le HDR ne crée ni lumière ni couleur, et cette image était tout simplement aboutie.
Je me suis souvenu du conseil qui dit de « toujours regarder derrière soi » lors d'un shooting, mais il ne s'y passait rien, juste une étendue de désert plate sous un ciel lumineux. Cependant, en regardant sur ma gauche, j'ai trouvé ma prochaine photographie, et j'ai dû me dépêcher car la lumière disparaissait.
J'ai pris cette photo (qui a depuis été montée sous TruLife® Acrylique, et qui a fait l'objet de mon article TruLife Feature Photographer) avec le même objectif, le 75 mm.
Sur mon boîtier micro quatre-tiers, il offre un champ de vision similaire à un objectif de 150 mm, et l'on peut voir qu'il isole véritablement le sujet.
J'ai travaillé sur cet emplacement pendant plusieurs minutes et j'ai même filmé une courte séquence en time-lapse – ce nuage vaporeux est devenu orange et s'est déplacé au-dessus de la butte avant de sortir du cadre, c'était un moment fascinant. Mais en visionnant les images sur mon appareil, elles ne se démarquaient pas vraiment à mes yeux.
Quand le soleil s'en va, restez encore un peu
À ce moment-là, le soleil était complètement couché, l'instant précis où de nombreux photographes remballent leur matériel pour rentrer, mais je pense que c'est une erreur. Lorsque le soleil est bas à l'horizon, on obtient des lumières et des ombres saisissantes, mais avec beaucoup de contraste entre les hautes lumières éclatantes et les ombres denses. En revanche, après le coucher du soleil, tout le ciel occidental s'illumine et, combiné au ciel oriental, il offre une lumière directionnelle magnifique sans ce contraste violent.
Que vous fassiez du portrait ou du paysage, la période suivant le coucher du soleil, « l'heure bleue », est un moment merveilleux pour travailler.
Après mon time-lapse, j'ai de nouveau observé la scène devant moi et j'ai réalisé que la lumière douce était superbe, et qu'il y avait bien plus à voir que cette simple butte se dressant seule. J'ai remarqué que les lignes d'intersection des canyons créaient une ligne serpentine menant des rochers au pied de la structure jusqu'au monolithe au sommet.
Étant diplômé en géologie, une telle scène est non seulement intéressante sur le plan photographique, mais elle m'intrigue aussi par l'histoire qu'elle révèle à travers les strates rocheuses.
J'aimais l'idée de ces blocs de pierre regardant vers le monolithe comme pour dire : « Ton tour viendra ». J'ai changé d'objectif pour le Leica 42.5 mm f/1.2 afin d'obtenir un champ de vision plus large, tout en conservant une perspective de téléobjectif (cet objectif est similaire à un 85 mm en plein format).
Il s'agit d'un composite HDR, et l'on perçoit nettement que la luminosité déclinait. Bien que cette prise de vue me plaisait davantage, la présence de la butte sur la gauche me chagrinait. J'ai donc suivi les conseils de Scott Bourne en optant pour un cadrage vertical, ce qui a fait toute la différence. J'ai alors senti que les lignes et le format vertical s'unissaient pour accentuer la hauteur de la butte et la profondeur du canyon. L'image a ainsi gagné en relief, avec des lignes directrices bien plus prégnantes. J'avais basculé mon boîtier en mode noir et blanc, et le rendu sur l'écran me séduisait. J'ai de nouveau réalisé une série de bracketing pour créer, plus tard, un nouveau composite HDR.
À ce moment-là, la nuit était totale. Nous nous sommes tout de même rendus jusqu'au point de vue pour photographier les étoiles, jusqu'à ce que la lune ne monte trop haut dans le ciel. Nous avons profité d'une magnifique nuit dans le désert, croisant de nombreuses chevêches des terriers et des coyotes, avant de regagner la ville pour recharger les batteries et préparer une nouvelle journée de portraits et de vidéos dès le lendemain matin.
Laisser mûrir le projet
Tout cela s'est déroulé en 2014. Plusieurs de ces portraits comptent aujourd'hui parmi mes préférés ; je replonge donc souvent dans ce dossier pour partager ces clichés. Avec le temps, j'ai appris à maîtriser de nouveaux outils qui m'offrent davantage de possibilités pour traiter mes photographies. C'est en explorant à nouveau mes photos de Moab que je suis retombé sur ces prises de vue, réalisant que je pouvais désormais les finaliser avec plus de finesse.
Des logiciels tels que Photomatix, Aurora HDR ou Perfectly Clear m'ont montré comment rendre une image plus lumineuse et éclatante sans pour autant augmenter le bruit numérique. J'ai repris ce vieux coup de cœur pour retravailler le HDR et j'ai utilisé Perfectly Clear pour l'éclaircir légèrement, le tout sans bruit, ce qui est prodigieux. Perfectly Clear m'a également permis d'ajuster les couleurs à la perfection.
Enfin, j'ai utilisé le pinceau de réglage de Lightroom pour effectuer des retouches locales afin d'éclaircir et d'assombrir certaines zones (dodge and burn). Vous remarquerez que j'ai accentué l'éclat de certaines hautes lumières pour souligner les lignes directrices.
Au final, j'apprécie bien plus cette photographie aujourd'hui qu'au moment de la prise de vue.
Parfois, une photographie se bonifie à mesure que votre technique s'affine. Laisser vos fichiers « mûrir » dans votre Drobo vous permet d'évoluer jusqu'à ce que vos compétences en post-production soient à la hauteur de votre talent de photographe. Est-ce une excuse pour ne jamais rien supprimer ? Peut-être, mais le coût d'un disque dur supplémentaire semble dérisoire comparé au regret de perdre l'opportunité de créer une œuvre d'art que vous n'aviez pas encore décelée.
Imprimez vos photographies : donnez-leur vie
Trois ans après avoir pris ce cliché, j'étais enfin prêt à lui donner vie et à l'exposer au mur, mais j'hésitais sur la méthode d'impression à adopter. J'ai pourtant une expérience plus poussée que la moyenne en la matière. En tant que photographe de famille, j'imprime énormément mes œuvres ; j'ai d'ailleurs possédé deux imprimantes grand format et j'aidais chaque semaine les membres de mon club à réaliser leurs tirages. J'ai testé une multitude de papiers pour jet d'encre, commandé des impressions sur toile ou sur métal, et même créé des porte-clés.
Quand vous commandez un format XNUMX x XNUMX cm (XNUMX″×XNUMX″) auprès de votre laboratoire habituel, le papier contient réellement des particules de nitrate d'argent — de véritables métaux précieux. Ces derniers réagissent à la lumière projetée en laboratoire pour révéler les couleurs et les nuances que vous admirez sur le papier. Ce sont les tirages les plus durables, offrant une reproduction des dégradés de tons supérieure à n'importe quel autre support. J'ai souvent échangé avec des photographes qui pensaient que les laboratoires utilisaient des imprimantes à jet d'encre, alors qu'il s'agit d'un processus chimique et lumineux sur papiers Kodak ou Fujifilm.
Grâce à mon expérience, je sais exactement comment passer de l'image écran au rendu papier. L'avantage aujourd'hui est que la plupart des laboratoires proposent quelques tirages d'essai gratuits, vous permettant ainsi de calibrer votre écran selon leurs sorties.
Pour mes photographies, je savais qu'il me fallait un procédé photographique capable de restituer la douceur des dégradés de tons, tout en soulignant la finesse des détails et la luminosité éclatante des hautes lumières. J'avais entendu parler des tirages sous acrylique et je savais qu'ils offraient un rendu exceptionnel pour les détails et les couleurs. La photographie est d'abord tirée selon un procédé photochimique sur un papier d'art, puis elle est contrecollée sur un substrat rigide et protégée par une face en acrylique transparent.
Le résultat permet aux couleurs et aux détails de s'exprimer à travers la surface de l'acrylique avec une clarté supérieure à toute autre méthode d'exposition. L'utilisation d'un cadre avec un verre classique n'est pas aussi efficace, car la photo et le verre créent des reflets qui nuisent à la lisibilité de l'image. J'aime exposer des photographies sans vitrage, mais leur protection devient alors un défi. Cependant, l'acrylique assure une protection UV efficace tout en offrant une excellente résistance à la fragmentation, protégeant ainsi l'œuvre des aléas du quotidien, comme un objet lancé à travers la pièce par un enfant.
Après une étude plus approfondie, j'ai découvert que l'acrylique TruLife® est la solution optimale, offrant une transparence inégalée, une résolution maximale et la meilleure protection UV. De plus, ses propriétés anti-reflet permettent d'apprécier l'image sans aucune gêne visuelle.
J'ai finalement passé commande auprès d'ArtisanHD, l'un des laboratoires qui réalise des tirages sur acrylique avec TruLife®. À la réception, j'ai été bluffé ! La luminosité est incroyable. On a l'illusion que le tirage capte toute la lumière de la pièce pour la projeter vers l'avant, comme si la lumière provenant des chants était elle aussi redirigée vers le regard. C'est magnifique. Cela reflète parfaitement la vision que j'avais à chaque étape de la création de cette photographie.
En y regardant de plus près, j'ai découvert que Acrylique TruLife® est le meilleur type d'acrylique car c'est le plus transparent, la plus haute résolution et la meilleure protection UV. De plus, ses caractéristiques anti-éblouissantes facilitent la vision de l'image sans reflet.
Quelle que soit la méthode ou le support choisi, l'essentiel est de tirer vos œuvres. Voir votre photographie exposée en grand format change tout ; cela donne une tout autre dimension à votre art. Vous constaterez que cela crédibilise également votre travail aux yeux de ceux qui n'y voient qu'un simple passe-temps.
Ce n'est pas un loisir, c'est de la création artistique. Et plus le format est grand, plus l'impact visuel est puissant.
Quelle que soit la méthode ou le support que vous utilisez pour imprimer votre photographie, l’objectif est d’imprimer. Avoir votre photo accrochée en grand devant vous change tout et rend votre art beaucoup plus réel. Vous constaterez que cela légitime également votre photographie aux yeux de ceux qui la considèrent comme un passe-temps.
Ce n'est pas un passe-temps, c'est faire de l'art, et plus vous imprimez vos photographies en grand, plus elles sont belles.
Conclusion
Je parcours désormais mes archives de voyages et d'événements à la recherche d'images que je n'ai pas encore tirées. Elles sont nombreuses, et à mesure que je les retrouve, les souvenirs de ces instants me reviennent en mémoire. Revivre ces aventures est précisément ce qui rend la photographie si précieuse.
Partager ses clichés en ligne est devenu incontournable, mais en tirant vos photos, quel que soit le format, vous créez un souvenir tangible. Je vous encourage vivement à transformer vos images en véritables photographies physiques.
Choisissez le bon procédé d'impression et voyez grand. Vous êtes un artiste, et votre art mérite d'être admiré dans les meilleures conditions.
Ce message de Levi Sim paru initialement sur Photofocus.
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À propos de l'auteur
Levi Sim
Propriétaire, photographe et conférencier chez Levi Sim Photography
Levi Sim se passionne pour la création de photographies et aide les autres à perfectionner leurs propres images. Photographe à plein temps, il se spécialise dans le portrait d'affaires ainsi que dans la création d'images de marque et de marketing. Il consacre le reste de son temps à pratiquer et à explorer toutes les autres facettes de la photographie.