Par Jeremiah William McCarthy, Conservateur au National Academy of Design
Les expositions itinérantes organisées à partir de collections permanentes offrent des opportunités majeures en matière de conservation préventive, de recherche scientifique et de rayonnement institutionnel. Dans le contexte actuel, les musées du pays font face à des défis complexes — financiers, logistiques et interprétatifs — exacerbés par la pandémie et les mouvements nationaux pour la justice sociale. C'est l'occasion de puiser dans nos réserves, d'apporter un éclairage nouveau sur des œuvres familières et, plus important encore, de créer des partenariats muséaux favorisant une compréhension mutuelle entre les régions grâce à l'échange d'œuvres d'art.
En 2017, nous avons entamé l'élaboration de Pour l'Amérique : peintures de la National Academy of Design, une exposition itinérante accompagnée d'une publication présentant les pièces majeures des fonds de l'Académie. Le concept était simple : présenter côte à côte les deux règles de soumission de l'Académie — la première, édictée en 1826 et toujours en vigueur, exigeant un « spécimen de sa propre production », et la seconde, en vigueur de 1839 à 1994, demandant un portrait de l'artiste (autoportrait ou portrait par un confrère). L'objectif est d'illustrer à la fois la vision du monde des peintres et la manière dont ils s'y perçoivent. Dans cet article, j'explore les leçons tirées de cette tournée, dans l'espoir qu'elles nourrissent la réflexion et le dialogue sur le sujet.
Publics distincts, présentations sur mesure
Chaque musée emploie des codes visuels propres à son public ; la collaboration entre l'institution organisatrice et le musée d'accueil est donc essentielle. Les conservateurs locaux communiquent des nuances que ni les plans au sol ni les photographies ne peuvent révéler : la démographie des visiteurs, les points de congestion, les perspectives scénographiques ou les médiations ayant fait leurs preuves. Ce savoir interne est inestimable pour concevoir une présentation percutante. Par exemple, au New Britain Museum of American Art, nous avons proposé des face-à-face ahistoriques pour explorer les préoccupations picturales communes des membres de l'Académie à travers le temps. À la Dixon Gallery and Gardens, une approche strictement chronologique a apporté de nouveaux éclairages, tandis qu'à la Society of the Four Arts et au New Mexico Museum of Art, nous avons privilégié un accrochage « style Salon » pour illustrer les expérimentations thématiques des artistes.
L'importance cruciale de la conservation
Il est compréhensible que les directeurs et donateurs hésitent parfois à financer la restauration ou l'encadrement d'œuvres destinées au stockage face aux priorités institutionnelles. Pourtant, les expositions itinérantes incitent souvent les décideurs à se concentrer sur le soin des joyaux de la collection. Le voyage peut stresser les œuvres ; au-delà d'un suivi constant durant le transport, la préparation pré-tournée (restauration, encadrement et vitrage) garantit la sécurité des objets dès le départ. Parmi les projets réalisés pour Pour l'Amérique citons le réencadrement de l'autoportrait de John Singer Sargent dans un cadre plus cohérent avec ses choix stylistiques de l'époque, le retrait de vernis jaunis sur Scene Among the Andes de Frederic Church , Scène parmi les Andes; et la création d'un microclimat pour une œuvre fragile de George Inness (huile sur papier marouflée sur panneau).
Documentation et travaux par The Fine Arts Conservancy.
Les nouveaux efforts de conservation peuvent aussi mettre en lumière des chefs-d'œuvre autrefois négligés. Par exemple, Charles White a offert Matrone-un portrait de sa grand-tante Hasty Baines, née esclave en 1857 — comme morceau de réception. Peinte en 1967, en pleine période d'agitation sociale, cette œuvre personnelle représentait pour l'artiste une interprétation universelle de la sagesse et du courage. Après traitement, l'œuvre est exposée pour la première fois en près de quarante ans, et le dialogue entre ce portrait et son œuvre de diplôme, Mère Courage II, est édifiant.
À gauche, plusieurs zones affectées par une efflorescence blanchâtre ; à droite, après élimination de l'efflorescence.
Documentation et traitement par Kristen deGhetaldi.
Sous un nouveau jour
La recherche et l'interprétation sont des processus en constante évolution. Faire voyager une collection pour atteindre de nouveaux publics permet de partager des points de vue inédits. Pour ce faire, nous avons invité des membres actuels de l'Académie, tels que Catherine Opie et Fred Wilson, à commenter des œuvres de la collection. L'artiste Jaune Quick-to-See Smith a ainsi réagi au tableau d'Albert Bierstadt, On the Sweetwater Near the Devil’s Gate (1860). Elle rappelle que cette vision paisible était contemporaine du traité de Hellgate (1855), qui imposait aux populations autochtones de céder d'immenses territoires. Ces textes offrent une fenêtre sur la pensée de l'autre et rappellent que l'art de ce pays revêt des significations multiples.
Toutes les œuvres appartiennent à la collection du National Academy of Design, NY.
L'exposition est présentée au New Mexico Museum of Art jusqu'au 17 janvier 2021. Pour d'autres lieux et plus d'informations, cliquez sur ici.
Pour un aperçu des coulisses de l'exposition lorsqu'elle s'est déroulée à la Society of the Four Arts à Palm Beach, en Floride, regardez ci-dessous :
A propos de l'auteur
Jeremiah William McCarthy
Conservateur en chef, Musée d'art américain de Westmoreland
Jeremiah William McCarthy est conservateur en chef du Westmoreland Museum of American Art. Il est conservateur-conseil pour Rencontres inspirées : les femmes artistes et les héritages de l’art moderne (2022). Jeremiah était auparavant conservateur à la National Academy of Design et conservateur associé à l'American Federation of Arts. Il a également travaillé dans les départements de conservation et d'éducation du Metropolitan Museum of Art et du Solomon R. Guggenheim Museum.