Par Gillian Germain, Artiste
L'artiste Gillian Germain explique ses inspirations, son processus de création et les défis posés par ces objets d'art intrinsèquement vulnérables. Les impératifs de conservation préventive, de manipulation sécurisée et d'installation sont ici abordés, parallèlement à une esthétique d'exposition simple et fonctionnelle, en harmonie avec les intentions artistiques de Gill.
Je suis une artiste du papier découpé. Je vis dans une maison isolée sur les hauteurs des Pennines septentrionales, en Angleterre. Assise à ma table sous un plafond de verre, j'observe le visage changeant de la colline. Les cieux sont immenses et les monts couverts de bruyère s'habillent au gré de l'humeur du jour. L'été est bercé par le chant du vanneau et du courlis ; le reste de l'année, par le bêlement des moutons, le vent et les intempéries. La nuit est soit éclatante d'ombres lunaires, soit d'un noir d'encre, ou parée de voiles d'étoiles jetés sur le puits profond du ciel.
Depuis quelques années, je découpe le papier, dessinant avec une lame, racontant lentement l'histoire de ce lieu et de ma place en son sein ; mes sentiments, mes craintes, mes pensées et mon amour pour lui. Ce lieu n'est qu'une goutte d'eau dans l'océan du monde, mais c'est une partie vivante, respirante et essentielle au bien-être de notre planète.
Je travaille à main levée, au couteau. Des couches de papier sont posées sur l'œuvre pour la protéger du mouvement de mes mains et, à travers une petite fenêtre d'environ XNUMX à XNUMX cm, je découpe lentement, regardant les espaces se remplir des lignes complexes de la nature qui croissent et se connectent. Avec le temps, la découpe est devenue de plus en plus intense. Pourtant, je garde en permanence un sentiment profond de ce que je souhaite exprimer. Une esquisse rapide place le sujet sur le papier, j'ajoute des lavis d'aquarelle et, dès la première incision, je suis les lignes et les connexions impossibles pour trouver le rythme de la coupe.
Le processus est lent et peut prendre jusqu'à un an ; les pièces sont donc peu nombreuses. Ce n'est qu'à la toute fin que je perçois l'œuvre dans sa globalité, et il me faut du temps après l'achèvement pour apprendre à la connaître. Elles sont toutes extrêmement fragiles, et les manipuler me rend nerveuse. La plupart du temps, les découpes sont conservées à plat, dans une boîte, dans un tiroir. Trouver une méthode d'exposition sécurisée qui me convienne a été un long cheminement.
Visuellement, elles sont comme à la lisière de l'invisibilité, difficiles à appréhender. Je voulais qu'elles flottent dans l'air, que la lumière puisse, de manière plus sûre, passer sur et à travers elles. Je souhaitais que les dessins soient révélés par la projection de leurs ombres car, selon l'angle, différents aspects apparaissent et de nouvelles histoires émergent. J'avais le sentiment qu'elles pourraient devenir tridimensionnelles en étant suspendues dans l'air, silencieuses et magnifiques.
L'idée qu'elles puissent être suspendues, flottant et bougeant librement, plutôt que d'être prises en sandwich entre deux feuilles de verre, m'est venue à l'esprit. J'ai commencé à travailler avec mon ami, l'artiste et créateur Peter Evans, pour concevoir un cadre épuré. J'imaginais pouvoir descendre la découpe dans une boîte, à la manière d'un apiculteur qui soulève et dépose des rayons de miel dans une ruche. Pete a ingénieusement trouvé la solution : faire glisser le vitrage dans des rainures pratiquées à l'avant et à l'arrière d'un cadre en chêne, le couvercle venant se verrouiller proprement sur les découpes de papier que j'avais fixées avec des fils de coton à une fine tige.
C'est une boîte d'une simplicité magnifique, mais le problème de l'utilisation du verre est immédiatement apparu : il alourdit les cadres et il est délicat de le faire glisser dans les rainures sans risque de bris — une catastrophe potentielle pour des pièces aussi fragiles. Nous avions besoin d'une esthétique minimale et légère, sans la charge statique des acryliques standards, qui auraient risqué d'attirer l'œuvre délicate contre la surface du vitrage.
Le Optium Museum Acrylic résout ces problèmes. Les découpes de papier flottent magnifiquement dans leurs boîtes d'exposition. Je peux voir leurs ombres se dessiner sur la surface du mur et je sais qu'elles sont protégées contre les UV, de sorte que leurs couleurs délicates risquent moins de s'estomper. À mesure que la lumière se déplace sur ces œuvres, elles jouent avec le regard et se transforment au fil des heures. On peut observer lentement les changements jouant avec l'intensité des ombres portées, les voir des deux côtés, regarder une œuvre respirer à l'intérieur de sa boîte et suivre le rythme mouvant des lignes. C'est comme s'il n'y avait rien d'autre que de l'air, et pourtant, elles sont en parfaite sécurité.
